Florence Foster Jenkins

영화를 여는 데스플라의 주제 선율로, 인물의 세계를 한 마디로 요약한다.

• 도입부의 짧은 선율은 플로렌스라는 인물을 가리키는 유도동기(라이트모티프)처럼 영화 내내 되돌아온다.
• 현악과 목관이 가볍게 주고받는 편성은 그녀의 세계가 얼마나 인위적이고 사랑스러운 무대인지를 보여준다.
• 왈츠에 가까운 흐름은 그녀가 살아가는 1940년대 뉴욕 사교계의 우아함을 가리킨다.
• 완전히 밝지만은 않은 화성이 한두 곳 섞여 있어 이야기 뒤에 숨은 씁쓸함을 미리 흘린다.

반주자 코스메 맥문에게 붙는 데스플라의 짧은 피아노 주제.

• 피아노 단독으로 연주되는 짧은 선율로, 그의 조심스럽고 예의 바른 성격을 그대로 옮겨놓은 유도동기다.
• 피아노가 중심이 되는 악기 선택은 그가 반주자로서 플로렌스의 세계에 발을 들이는 위치를 알려준다.
• 선율이 말끔히 끝맺지 못하고 머뭇거리듯 마무리되는 대목은 그가 이 상황을 편히 받아들이지 못함을 암시한다.

요한 슈트라우스 2세의 오페레타에서 따온 곡으로, 플로렌스가 베르디 클럽의 초대 손님들 앞에서 연 작은 발표회에 쓰인다.

• 원곡은 오페레타 「박쥐」에서 하녀 아델레가 부르는 익살스러운 노래로, 웃음소리를 흉내 내는 대목이 특기다.
• 메릴 스트립은 정확한 음정을 알고 있으면서 의도적으로 어긋나게 부르는데, 이는 제대로 못 부르는 것보다 훨씬 어려운 절제된 연기다.
• 사이먼 헬버그가 연기하는 반주자의 표정과 피아노 반주가 어긋나는 타이밍을 그대로 따라가며 웃음을 받아내는 대목이 볼거리다.
• 원곡의 화려한 콜로라투라(빠르게 오르내리는 장식음)가 얼마나 어려운 기교인지 알아야 이 장면의 낙차가 온전히 보인다.

영화 초반 릴리 퐁스의 무대에서 정식 성악 버전이 먼저 울리고, 맥문과의 첫 교습에서 플로렌스의 버전이 뒤따른다.

• 레오 들리브의 오페라 「라크메」 중 가장 유명한 대목으로, 방울 같은 고음 장식음이 특징인 콜로라투라 소프라노의 시험대다.
• 정식 성악가가 부르는 버전과 스트립·헬버그가 교습 장면에서 만드는 버전을 나란히 들으면 두 목소리의 거리가 그대로 이야기가 된다.
• 같은 선율이 한쪽에서는 완벽하게, 다른 쪽에서는 아슬아슬하게 흔들리며 흐르는 대비가 이 영화 음악 전체의 축소판이다.

카네기홀 무대에서 그녀가 도전하는 모차르트의 가장 어려운 아리아.

• 모차르트 오페라 「마술피리」 속 가장 유명한 대목으로, 극도로 높은 음역과 빠른 장식음을 요구하는 콜로라투라 소프라노의 정점으로 꼽힌다.
• 왜 하필 이 곡을 골랐는지가 인물의 자신감과 순진함을 동시에 설명해 준다.
• 무대 위 목소리와 오케스트라 반주가 어긋나면서도 끝까지 밀고 나가는 대목은 이 영화에서 가장 아슬아슬한 순간이다.
• 실제 오페라 무대에서도 손꼽히는 난곡이라, 이 장면의 낙차를 이해하려면 원곡의 악명부터 알아 둘 만하다.

공연의 절정을 받치는 데스플라의 오케스트라 큐.

• 앞서 등장한 주제 선율이 오케스트라 전체로 확장되며 이날 무대의 무게를 실어 준다.
• 관객석의 동요와 무대 위 인물의 확신이 동시에 진행되도록, 음악은 어느 한쪽 편을 들지 않고 둘 다를 담는다.
• 금관과 현악이 함께 차오르는 대목은 이 영화에서 보기 드물게 큰 편성을 쓰는 순간이다.

이야기를 정리하는 데스플라의 마무리 곡.

• 조롱도 동정도 아닌 담담한 어조로 흐르는 선율은 이 영화가 인물을 대하는 태도 그 자체다.
• 앞서 나온 그녀의 주제가 변형되어 돌아오는데, 화성이 한결 차분해져 있어 같은 선율이 다른 의미로 들린다.
• 피아노가 다시 두드러지는 편성은 맥문과의 관계, 그리고 음악 자체에 대한 순수한 애정으로 초점을 되돌린다.