Pink Floyd

배럿이 이끌던 짧은 전성기를 가장 선명하게 남긴 싱글이다. 동화 같은 어조로 한 소녀를 향해 말을 거는 노래 안에, 곧 무너질 배럿의 어지러운 상상력이 이미 번득인다.

• 곡을 여는 것은 라이트의 파르피사 오르간이다. 얇고 날카로운 이탈리아제 전자 오르간 음색이 1967년 런던 지하 무대의 색을 그대로 담고 있다.
• 배럿의 기타는 자기 드럼에 소리를 새겨 되울리는 바인슨 에코렉(딜레이 장치)을 거쳐 물결처럼 번진다. 절과 절 사이 미끄러지듯 흘러내리는 기타 소리에 귀를 두자.
• 중간부에서 갑자기 빨라지는 짧은 악구는 테이프 속도를 바꿔 만든 것으로 알려져 있다. 몇 초 동안 장난감 상자를 뒤집은 듯한 순간이 지나간다.
• 3분이 채 안 되는 길이 안에 동요 같은 가락과 어지러운 효과음이 함께 있다. 같은 해 데뷔 앨범의 긴 즉흥곡 「인터스텔라 오버드라이브」와 나란히 들으면 배럿의 두 얼굴이 보인다.

배럿 이후의 밴드가 처음으로 자기 목소리를 찾은 곡이다. 조각을 이어 붙이던 모색기의 방식이 23분의 한 흐름으로 완성됐고, 워터스가 공감이라는 주제를 처음 붙든 자리이기도 하다.

• 도입부의 수중 음파 같은 울림은 라이트가 피아노 한 음을 회전하는 스피커(레슬리 스피커)에 통과시켜 만든 것이다. 그 한 음이 곡 전체의 바다를 연다.
• 첫 절은 길모어와 라이트가 같은 가락을 함께 부른다. 두 사람의 목소리가 겹쳐 한 사람이 아닌 듯한 부드러운 질감이 생긴다.
• 7분 무렵부터 워터스의 베이스와 메이슨의 드럼이 춤추는 듯한 반복 리듬(그루브)을 깔고, 그 위로 길모어의 솔로가 이어진다. 앨범에서 가장 몸이 움직이는 대목이다.
• 11분 전후의 기괴한 중간부에서 들리는 갈매기 울음 같은 소리는, 길모어가 발로 밟아 음색을 열고 닫는 장치(와와 페달)를 거꾸로 연결했다가 우연히 얻었다고 밝힌 소리다.
• 폼페이 원형극장 공연 영화의 연주와 비교해 들어 보자. 관객 없는 돌 무대에서 곡이 두 부분으로 나뉘어 연주되며, 스튜디오판보다 거칠고 넓게 울린다.

시간과 돈과 죽음과 광기를 한 흐름으로 엮은 콘셉트 앨범이다. 곡 사이의 틈이 없이 이어지도록 설계돼, 처음부터 끝까지 한 번에 듣도록 만들어졌다.

• 앨범은 심장 박동으로 시작해 심장 박동으로 끝난다. 그 사이의 모든 소리가 한 사람의 삶 안에서 일어나는 일처럼 배치됐다.
• 영상 카드의 곡 「타임」은 수십 개의 시계가 한꺼번에 울리는 소리로 열린다. 파슨스가 앨범과 별개로 입체 음향 시험용으로 골동품 시계 가게에서 녹음해 둔 소리였다. 이어 메이슨이 음높이를 조절할 수 있는 작은 북(로토톰)을 하나씩 두드린다.
• 「머니」는 동전과 금전 등록기 소리를 테이프 루프로 이어 붙여 시작한다. 한 마디가 일곱 박인 낯선 박자로 흐르다가 길모어의 기타 솔로 대목에서 네 박으로 바뀌는 순간을 짚어 보자.
• 「더 그레이트 기그 인 더 스카이」에서는 라이트의 피아노 위로 토리의 가사 없는 목소리가 치솟았다 무너진다. 말 없이 감정만으로 죽음을 노래하는 화법이다.
• 곡 사이사이 들리는 혼잣말 같은 목소리들은 스튜디오 직원과 주변 사람들에게 질문 카드를 보여 주고 받아 낸 대답이다. 대본 없는 실제 사람들의 목소리라 더 섬뜩하다.

떠나간 배럿에게 바친 곡이다. 원망 없이, 오래 알던 친구를 향해 안부를 묻듯 말을 거는 어조이며, 이 곡을 다듬던 날 배럿이 스튜디오에 나타났다.

• 첫머리에 길게 깔리는 신비로운 화음은 물 묻힌 와인 잔 가장자리를 문질러 낸 소리를 녹음해 겹친 것을 바탕으로 했다고 알려져 있다. 그 위로 라이트의 신시사이저가 천천히 떠오른다.
• 4분쯤 길모어가 기타로 한 음씩 띄엄띄엄 연주하는 네 음의 모티프가 곡의 심장이다. 길모어가 우연히 친 네 음이었고, 멤버들은 이 가락의 쓸쓸함에서 배럿을 떠올렸다고 전해진다.
• 파트 I부터 V까지가 앨범 맨 앞에, VI부터 IX까지가 맨 끝에 놓여 앨범 전체를 감싸는 구조다. 합치면 26분에 이르는 이 형식 자체가 부재를 둘러싼 액자처럼 보인다.
• 파트 V의 끝에서 딕 패리의 색소폰이 등장한다. 기타가 이끌던 곡에 사람 목소리 같은 관악기가 들어오며 분위기가 한층 따뜻해진다.

《더 월》의 주인공이 학교에서 벽돌 하나를 더 쌓게 되는 대목이다. 억압적인 교육에 맞서는 아이들의 목소리가 화법의 중심에 서 있다.

• 프로듀서 밥 에즈린의 제안으로 드럼은 당시 유행하던 디스코처럼 일정하게 찍는 리듬을 택했다. 메이슨의 담백한 하이햇과 워터스의 단단한 베이스가 춤곡 같은 바닥을 깐다.
• 두 번째 절은 런던 이슬링턴 그린 스쿨 학생들이 부른다. 엔지니어가 학교로 가서 녹음한 목소리를 여러 번 겹쳐 큰 합창처럼 만들었다.
• 합창 뒤의 길모어 솔로는 깁슨 레스 폴 기타로 연주했다고 알려져 있다. 날카롭게 찌르기보다 끈적하게 휘감는 음색이 차가운 리듬과 대조를 이룬다.
• 곡 끝에서 교실의 고함과 운동장의 소음이 겹쳐지며 다음 곡으로 넘어간다. 이 곡이 단독 싱글이기 이전에 긴 이야기의 한 장면임을 알려 주는 순간이다.

벽 안에 갇혀 감각을 잃어 가는 주인공을 그린 곡이다. 길모어의 선율과 워터스의 가사가 가장 깊이 맞물린, 두 사람 협업의 정점으로 꼽힌다.

• 곡의 뼈대는 길모어가 솔로 앨범을 위해 만들어 둔 데모에서 나왔고, 워터스가 가사를 붙였다. 두 사람의 서로 다른 감각이 한 곡 안에서 만난다.
• 절은 워터스가 낮고 건조하게, 후렴은 길모어가 따뜻하고 높게 부른다. 바깥에서 말을 거는 차가운 목소리와 안에서 대답하는 아득한 목소리의 대화로 들어 보자.
• 곡을 닫는 두 번째 솔로는 길모어가 여러 차례 연주한 것 중 좋은 부분을 골라 이어 붙였다고 회고한 것이다. 펜더 스트라토캐스터에 소리를 뭉개 두텁게 만드는 장치(퍼즈)를 걸었다고 알려져 있다.
• 뒤편에 흐르는 현악은 마이클 케이먼의 편곡이다. 1980–81년 공연에서 길모어는 쌓아 올린 벽 꼭대기에 올라 이 솔로를 연주했다.

《디비전 벨》의 마지막 곡으로, 나이 든 화자가 케임브리지에서 보낸 젊은 날을 담담히 돌아본다. 밴드가 처음으로 자기들의 출발점을 노래한 곡이다.

• 처음부터 끝까지 일정하게 울리는 종소리가 앨범 제목과 이어진다. 시간이 흐르고 있다는 것을 조용히 알리는 장치처럼 들린다.
• 단순하게 되풀이되는 피아노 음형 위로 길모어의 목소리가 낮게 시작한다. 화려한 장치 없이 회상의 어조를 지키는 담백함이 이 곡의 힘이다.
• 후반부의 긴 솔로는 무릎 위에 눕혀 놓고 금속 막대를 미끄러뜨려 연주하는 기타(랩 스틸)로 했다. 음과 음 사이를 미끄러지는 소리가 울음처럼 길게 늘어진다.
• 현악 편곡은 《더 월》에 이어 다시 마이클 케이먼이 맡았다. 솔로가 끝나고 소리가 잦아드는 마지막 몇 분을 끝까지 들어 보자.