La La Land

영화를 여는 고속도로 합창곡으로, 이 도시로 몰려든 사람들의 낙관과 고단함을 한 화면 안에 압축한다.

• 도입부의 가벼운 피아노 반주와 관악기 화음이 아침 햇살 같은 분위기를 만들며, 정체된 도로라는 답답한 공간과 대비를 이룬다.
• 여러 인물이 차례로 노래를 이어받는 방식은 한 사람의 사연이 아니라 도시 전체의 정서를 보여주려는 선택이다.
• 실제 고속도로 진입로를 막고 세 번에 나눠 찍은 뒤 컷을 숨겨 이어 붙여, 음악과 카메라 움직임이 한 장면처럼 처음부터 끝까지 맞물려 돈다.
• 밝은 장조 선율이지만 가사 내용은 계속되는 실패와 버팀을 이야기해, 흥겨움과 애환이 같은 선율 위에 함께 담겨 있다.

재즈 바에서 세바스찬이 무심히 치던 피아노 선율이 두 사람의 주제가 되어 영화 전체를 관통한다.

• 몇 개의 음으로 이루어진 짧은 피아노 선율이 이후 장면마다 형태를 바꾸어 등장하는데, 이렇게 인물을 가리키며 반복되는 짧은 선율을 유도동기(라이트모티프)라 부른다.
• 처음 등장할 때는 정해진 악보 없이 그 자리에서 만들어 연주하는 즉흥연주처럼 자유롭게 흐르다가, 관계가 깊어질수록 관현악 편곡으로 몸집을 키운다.
• 같은 선율이 후반부에서는 단조로 살짝 기울며 정서가 뒤집히는데, 이 대목은 관계의 균열을 예고하는 복선으로 자주 언급된다.
• 허위츠가 피아노로 먼저 완성한 초안 녹음이 최종 편곡의 뼈대가 되었다고 알려져 있으며, 시상식에서도 특히 자주 거론된 선율이다.

언덕 위에서 서로를 밀어내듯 주고받는 노래로, 말로는 부정하면서도 발걸음과 선율은 이미 서로에게 맞춰져 있다.

• 두 사람이 번갈아 부르는 화법은 옛 할리우드 뮤지컬의 듀엣 형식을 그대로 가져온 것으로, 대사처럼 주고받는 말투와 노래가 자연스럽게 이어진다.
• 탭댄스 스텝 소리가 리듬 악기처럼 쓰여, 발소리 자체가 반주의 일부가 된다.
• 가사와 표정은 냉소적이지만 선율은 점점 다정해져, 말과 음악이 서로 다른 것을 말하는 어긋남이 이 곡의 재미다.
• 두 배우가 춤 연습을 오래 거쳐 직접 소화한 장면으로, 끊지 않고 길게 이어 찍은 촬영 방식이 화제가 되었다.

세바스찬이 부두에서 혼자 부르던 선율이 훗날 둘의 듀엣으로 되돌아오며, 꿈과 사랑 사이에서 흔들리는 마음을 담는다.

• 단순하고 낮은 음역의 휘파람 같은 선율은 부담 없이 흥얼거릴 수 있도록 만들어졌고, 이 소박함이 오히려 널리 회자된 이유로 꼽힌다.
• 처음에는 혼자 부르는 독백에 가깝다가 나중에 둘이 함께 부르는 장면으로 되돌아오는데, 같은 선율이라도 부르는 사람 수에 따라 뜻이 달라진다.
• 아카데미 주제가상을 받은 곡으로, 단출한 편곡이 오히려 화려한 다른 후보들 사이에서 도드라졌다는 평이 있다.
• 후반부 현악 반주가 슬며시 끼어들며 선율의 중심음이 옮겨지는데, 이는 관계가 다음 단계로 넘어감을 은근히 알린다.

그리피스 천문대에서 두 사람이 별빛 속으로 떠오르는 장면을 받치는 대사 없는 관현악곡이다.

• 가사 없이 오케스트라로만 이루어진 이 곡은 감정이 말보다 음악으로 전달되는 순간으로, 현실의 무게를 벗어난 듯한 느낌을 상승하는 선율로 표현한다.
• 하프가 화음을 한 음씩 차례로 펼쳐 흐르게 하는 분산화음(아르페지오)으로 별빛이 흩어지는 듯한 인상을 만든다.
• 앞서 나온 두 사람의 주제 선율이 여기서 가장 풍성한 형태로 다시 등장해, 감정의 절정을 음악이 대신 말해 준다.
• 시각효과와 카메라 움직임이 음악의 박자에 정교하게 맞춰져 있어, 촬영 전에 곡이 먼저 완성되었다는 제작 방식이 잘 드러나는 대목이다.

세바스찬이 생계를 위해 합류한 밴드의 무대곡으로, 그가 지키려던 재즈와는 다른 대중적인 음악이다.

• 신시사이저와 규칙적인 드럼 비트가 두드러져, 앞서 들었던 피아노 중심의 재즈와는 확연히 다른 색을 낸다. 이 대비 자체가 인물의 타협을 보여주는 장치다.
• 화려한 조명과 큰 무대 속에서 세바스찬이 다소 겉도는 듯한 표정을 짓는데, 음악과 인물의 어긋남이 갈등의 핵심을 드러낸다.
• 이 곡이 흘러나오는 순간 객석에서 지켜보는 미아의 표정이 함께 비춰지며, 같은 음악을 서로 다르게 듣는 두 사람의 거리가 드러난다.
• 극 중에서 만들어진 가상의 밴드 곡으로, 존 레전드와 여러 작곡가가 함께 만들었다.

오디션장에서 미아가 홀로 부르는 노래로, 화려한 반주를 걷어내고 인물의 진심만 남긴 곡이다.

• 반주가 피아노 한 대로 줄어들며, 그동안 쌓아온 오케스트라의 화려함과 대비되는 정적인 순간을 만든다. 소리를 줄이는 선택이 오히려 감정을 키운다.
• 노래가 점점 고조되며 후반부에서 현악기가 조용히 끼어드는데, 이 대목에서 목소리와 반주가 함께 절정으로 치닫는다.
• 에마 스톤이 직접 부른 현장 녹음을 그대로 사용한 것으로 알려져 있으며, 이런 라이브 녹음 방식은 이 영화 전반의 특징이기도 하다.
• 아카데미 시상식 무대에서도 다시 불린 곡으로, 이후 이 영화를 대표하는 넘버 가운데 하나로 자리 잡았다.

시간이 흐른 뒤 재회한 두 사람 앞에서, 그동안 들었던 주제 선율들이 짧게 이어지며 다른 가능성을 떠올리게 한다.

• 앞서 등장했던 여러 주제 선율이 메들리처럼 이어지는데, 이미 들은 조각들을 다시 엮어 짧은 장면들로 이어 붙이는 방식을 몽타주라 부른다.
• 같은 선율이 이번에는 다른 화성과 편곡으로 흐르며, 있었던 일과 있었을지 모를 일 사이의 경계를 음악이 흐릿하게 만든다.
• 대사 없이 음악만으로 감정을 끌고 가는 구간이 길게 이어져, 관객이 스스로 그 뜻을 채워 넣게 하는 효과를 낸다.
• 엔드 크레딧까지 이어지는 마지막 변주는 재즈의 즉흥연주처럼 같은 주제가 계속 다른 얼굴로 돌아올 수 있음을 암시한다.